Необычные красивые картины: 25 произведений, которые полезно знать каждому образованному человеку.

13.01.2024

Согласно рейтингу самых значимых живописных произведений в мире.

1327 декабря 2022

Алина Аксенова, экскурсовод ГМИИ имени А.С. Пушкина, и Наталья Игнатова, дипломированный историк искусства, подготовили перечень наиболее значимых художественных произведений в мире. Если интересуют необычные красивые картины, этот список может вам представить интерес.

Они не только рассказали, что именно изобразил художник, но и объяснили, почему та или иная картина так важна для истории мирового искусства (читайте также: 18 самых дорогих картин в мире и их невероятные истории).

Сандро Боттичелли. «Рождение Венеры» (1486)

Стиль: раннее Возрождение.

Описание картины: подгоняемая богом ветра Зефиром, которого обнимает его супруга, богиня природы Флора, обнаженная Венера плывет к берегу в створке раковины. Ветер наполнен цветами. В позе богини любви, в том, как она опирается на одну ногу, видно влияние классической греческой скульптуры. Раковина в античности символизировала плодородие, чувственные удовольствия и сексуальность. В христианской трактовке она стала означать чистоту и непорочность.

Произведения Сандро Боттичелли вообще находятся на стыке Средневековья и Возрождения. Он не прописывает детали, фон очень плоский, небрежно выполнена вода. Все, включая Венеру, воздушное и неправдоподобное. Взяв античный сюжет, художник не пытается показать красоту женского тела, богиня любви у него получилась возвышенной и одухотворенной (читайте также: От Афродиты до Психеи: мы «оживили» богинь из мифов и легенд). Исследователи установили, что Боттичелли нанес на картину защитный слой из яичного желтка, благодаря чему она хорошо сохранилась.

Где находится: Италия, Флоренция, Галерея Уффици.

Иероним Босх. «Сад земных наслаждений» (1510)

Стиль: раннее Возрождение.

Описание картины: триптих получил свое название благодаря центральной части, посвященной греху сладострастия. Слева расположен рай, в центре — мир наслаждений, а справа — ад, куда отправятся грешники. При этом уже в раю наблюдаются определенные странности. Например, там есть сцены насилия: животные поедают друг друга, хотя считается, что до грехопадения Адама и Евы ничего подобного не было. В центральной части образы более понятные: там влюбленные сидят внутри мыльного пузыря, отгородившись от всего мира. Однако их идиллия иллюзорна, пузырь в любой момент может лопнуть. Среди более понятных символов ракушки — это аллегорическое изображение женского естества. В правой части Босх изобразил машины для пыток в виде музыкальных инструментов, которые используются для наказания грешников. Здесь же можно увидеть лицо, которое смотрит с картины: это один из фирменных приемов художника.

Северное Возрождение отличается от итальянского. В нем нет идеи торжества человека в мире как венца творения. Человек рассматривается со всеми его достоинствами и недостатками, поэтому картины Босха — это разговор о морали. Художник в своих картинах иллюстрирует различные притчи, которые были известны в Нидерландах в то время. Поэтому до конца понять произведение можно, только если внимательно разглядывать его и попытаться самому разгадать все загадки, оставленные художником.

Где находится: Испания, Мадрид, музей Прадо.

Микеланджело Буонарроти. «Сотворение Адама» (1511)

Стиль: Высокое Возрождение.

Описание картины: одно из важнейших произведений Высокого Возрождения находится под потолком Сикстинской капеллы. Увидеть творение Микеланджело можно, только если задрать голову. В центре композиции художник поместил руки Бога Отца и Адама, которые тянутся друг к другу. Бог своей творческой энергией как бы дает импульс душе Адама, но при этом божественное и человеческое не соединяются.

Художник проявил в этом произведении весь свой талант. В технике аль-фреско, когда краска ложится на сырую штукатурку, нужно работать очень быстро, пока основа влажная. Исправить что-то невозможно. В случае ошибки необходимо было скалывать штукатурку и делать все заново. «Сотворение Адама» — это абсолютное воплощение идей эпохи Возрождения, когда переплетаются античный культ тела и духовность христианства. К XVI веку уже стало понятно, в какую сторону пойдет развитие искусства, и Микеланджело в своем произведении отражает все важные вехи.

Где находится: Ватикан, Сикстинская капелла.

Рафаэль Санти. «Сикстинская Мадонна» (1514)

Стиль: Высокое Возрождение.

Описание картины: на полотне изображены Мадонна с младенцем. Рядом с ними — папа Сикст II и святая Варвара. Богоматерь спускается с небес прямо навстречу зрителю и смотрит ему в глаза. В этом образе Рафаэлю удалось соединить два мира. Если на средневековых изображениях все божественное всегда было нематериально, то в эпоху Возрождения образы святых становятся более человечными. Даже небеса кажутся настолько плотными, что по ним может пройти земная женщина с ребенком на руках. В ее взгляде угадывается тревога за судьбу сына. Любопытно, что папа снял перед Мадонной свою тиару, хотя во время литургий, то есть перед Богом, он всегда в ней.

Настоящая популярность к картине пришла только в XIX веке, когда сикстинской Мадонной стали восхищаться по всей Европе, в том числе и в России. Ею восторгался даже Александр Пушкин, хотя ни разу не бывал за границей. Ангелочки внизу сделали картину популярной уже в XX веке, когда маркетологи их начали использовать в рекламе. Любопытно, что фон за спиной Мадонны, который кажется облаками, как бы соткан из головок ангелов.

Где находится: Германия, Дрезден, Галерея старых мастеров.

Леонардо да Винчи. «Мона Лиза» (1519)

Стиль: Высокое Возрождение.

Описание картины: знаменитая картина, которая и сегодня вызывает споры зрителей и критиков. Любопытно, что о ней вообще могли забыть. «Мона Лиза» долго хранилась в ванной комнате и потеряла вид, а позже оказалась в музейных запасниках. Ее достали и отреставрировали по приказу Наполеона.

Настоящую популярность она приобрела только в XX веке и вовсе не из-за легенды о блуждающем взгляде и полуулыбке, а благодаря краже в августе 1911 года. «Джоконду» похитил итальянский мастер по зеркалам Винченцо Перуджа, который сделал это из патриотических соображений. Он хотел возвратить картину на родину Леонардо, хотя мастер сам привез ее во Францию. В результате были закрыты границы, администрацию Лувра уволили, а под следствием оказались такие знаменитости, как поэт Гийом Аполлинер и художник Пабло Пикассо. Дело получило огромный резонанс, и когда картину вернули, об этом сообщили все газеты, и о ней узнала вся планета. По сути, слава «Моны Лизы» возникла благодаря развитию прессы. «Мона Лиза» стала первым шедевром, который увидел весь мир: ее выставляли и в США, и в СССР. Таким образом, дама, чья личность до сих пор доподлинно неизвестна, стала первым глобализатором.

Где находится: Франция, Париж, Лувр.

Тициан Вечеллио. «Даная» (1554)

Стиль: Позднее Возрождение.

Описание картины: в основе сюжета полотна Тициана — миф о Данае, красотой которой пленился Зевс и проник к ней в спальню в виде золотого дождя. В результате на свет появился Персей. Всего были написаны пять Данай, которые хранятся в музеях по всему миру.

Художник был венецианцем, а школа живописи этого города сильно отличалась от того, что делали итальянцы в то время. В частности, в Венеции было особенное отношение к свету. Тициана многие даже называют предтечей импрессионизма. Даная на его полотне — это венецианский образ античной дамы, которая находится в состоянии эротического томления. Она похожа на простую женщину со своими земными желаниями. До Тициана художники не осмеливались так изображать чувственность.

Где находится: Россия, Санкт-Петербург, Эрмитаж.

Микеланджело Караваджо. «Положение во гроб» (1603)

Стиль: барокко.

Описание картины: про Караваджо говорили, что он был гениальным чудовищем. Такое прозвище он получил за пугающий реализм в картинах. Он не стеснялся изображать святых с грязными руками, ногами и следами загара. Картина «Положение во гроб» создавалась для церкви Кьеза Нуово. Для того чтобы картина получилась естественной, Караваджо выкапывал из могил трупы, приносил в мастерскую и заставлял натурщиков держать их на весу. Тем, кто отказывался, художник угрожал убийством.

Помимо реализма для Караваджо характерно переосмысление света и тени в произведениях. Только на первый взгляд его картины кажутся темными. Художник для усиления драматизма погружает во тьму все происходящее, а ключевые композиционные моменты выделяет боковыми ударами света. Караваджо перевернул страницу в истории живописи, позже его находки нашли развитие в эпоху барокко. Кстати, «Положение во гроб» в итоге было отвергнуто церковниками.

Где находится: Ватикан, Пинакотека.

Питер Пауль Рубенс. «Похищение дочерей Левкиппа» (1618)

Стиль: барокко.

Описание картины: одно из самых узнаваемых полотен Рубенса. В основе сюжета лежит миф о братьях Диоскурах, сыновьях Зевса и Леды, которые похитили дочерей царя Левкиппа. Рубенс прославился изображением пышнотелых женщин. И на этой картине они настолько огромны, что кажется, похитители вот-вот упадут под их тяжестью. Все фигуры вписаны в круг. Цветовое решение построено на контрастах: бледным телам обнаженных женщин противопоставлены крепкие загорелые мужчины. Декоративный эффект усиливается разноцветными тканями.

Картина представляет собой классическое произведение в стиле барокко, жизнелюбивого направления в искусстве. В XVII веке человек уже почувствовал скоротечность жизни, и это заставило людей по-иному воспринимать окружающий мир. Поэтому и в похищении нет ни драмы, ни страдания — все похоже просто на игру.

Где находится: Германия, Мюнхен, Старая пинакотека.

Диего Веласкес. «Менины» или «Семья Филиппа IV» (1656)

Стиль: барокко.

Описание картины: самое значительное и известное полотно знаменитого испанского мастера придворного портрета. И единственная картина Веласкеса, на которой Филипп IV и его супруга Марианна изображены вместе. Они отражаются в зеркале, находясь за спиной зрителя, а художник пишет их портрет. В центре картины — их пятилетняя дочь инфанта Маргарита со своей свитой, которая выглядит старше и умнее своих лет. Перед Веласкесом стояла сложная задача: он был придворным художником и обязан был возвышать королевских особ. Однако при этом он стремился сделать портреты максимально похожими, передать черты характера и сохранить индивидуальность.

Торжественное полотно позволяет понять времена расцвета барокко и погрузиться в придворную культуру Испании. Особое место в творчестве Веласкеса занимают карлики. Их держали при дворе как домашних животных. Чтобы подчеркнуть эту аналогию, художник изображает на переднем плане собаку.

Где находится: Испания, Мадрид, музей Прадо.

Ян Вермеер. «Молочница» (1661)

Стиль: барокко.

Описание картины: нидерландская живопись отличается простотой сюжетов. Художники описывали тихую повседневную жизнь. В этой картине сочетаются бытовой жанр и натюрморт. Основное внимание сосредоточено на кувшине, струйке молока и хлебе, стоящем на столе. Несмотря на небольшой формат произведений Вермеера, он считается не малым, а великим голландцем.

Популярность этой картины заключается в том, что там нет скрытых смыслов: она создана для того, чтобы наслаждаться цветами, положением теней и спокойной обстановкой тихого домашнего уюта (читайте также:
9 вещей, на которых держится уют в доме). Изначально подобные произведения создавались для простой публики и считались предметами роскоши, которые должны быть в каждом доме.

Где находится: Нидерланды, Амстердам, Государственный музей.

Рембрандт Харменс ван Рейн. «Возвращение блудного сына» (1669)

Стиль: барокко.

Описание картины: картина «Возвращение блудного сына» проникнута внутренней трагедией. Причем самого сына мы не видим, а только лицо его отца. Лишения, которые пришлось пережить сыну, выражены через его истрепанные одежды и стоптанную обувь. Любопытно, что Рембрандт старается избежать конфликта: если в притче говорится о гневе послушного сына, то в сюжете полотна гармония ничем не нарушена.

Рембрандт стал первым мастером среди художников XVII века, который выразил внутреннее движение человеческой души. В отличие от художников эпохи Возрождения он не стеснялся обнажать неприятные моменты и старался зафиксировать изменения, которые происходят с людьми в течение жизни.

Где находится: Россия, Санкт-Петербург, Эрмитаж.

Теодор Жерико. «Плот «Медузы» (1819)

Стиль: романтизм.

Описание картины: на полотне изображено историческое событие, которое случилось в июле 1816 года у берегов Сенегала. Там потерпел крушение фрегат «Медуза». Люди эвакуировались, но места в шлюпках на всех не хватило. Почти 150 человек посадили на плот, который изначально хотели привязать к лодкам, но поднялся шторм. Люди в шлюпках испугались, что к ним переберутся с плота по канатам, и обрезали их. Несчастные остались дрейфовать в открытом море. На плоту началась борьба за скудный провиант и самое безопасное место в центре у мачты. На четвертый день в живых осталось только 67 человек. На восьмой день 15 наиболее сильных выбросили за борт слабых и раненых. И когда история дошла до берегов Франции, то общество было потрясено дикостью произошедшего.

Жерико на своем полотне воссоздал реальное событие, пропустив его через призму собственного воображения. На картине изображено утро последнего дня дрейфа, когда оставшиеся в живых увидели на горизонте корабль «Аргус». Жерико в качестве натуры использовал фигурки людей, изготовленные из воска, расположив их на модели плота. На написание картины ему потребовалось восемь месяцев.

Где находится: Франция, Париж, Лувр.

Эдуард Мане. «Завтрак на траве» (1863)

Стиль: реализм.

Описание картины: художник получил прозвище «исчадие ада с безукоризненными манерами». Он происходил из очень интеллигентной семьи, но при этом часто эпатировал публику. Картина «Завтрак на траве», которая и сегодня вызывает неоднозначные чувства зрителей, вызвала сильное возмущение общества, когда была представлена на выставке «Салон отверженных». До Мане в обнаженном виде на природе писали только богинь. Первоначально картина называлась «Купание». Общество возмутил не только сюжет: двое одетых как денди мужчин беседуют между собой, не обращая внимания на обнаженную женщину рядом с ними. Также всех шокировало то, что художник изобразил узнаваемых людей.

Однако ценность полотна вовсе не в сюжете. Если посмотреть на картину внимательно, может создаться ощущение, что это фотография, сделанная с яркой вспышкой. Мане продемонстрировал роль дневного света в живописи, когда фигура обнаженного человека кажется более плоской и светлой. Этот эффект удалось усилить на контрасте с темной одеждой мужчин. Впоследствии именно на этом открытии Мане был основан метод художников-импрессионистов, которые изменили подход к передаче дневного света и впечатления в живописи.

Где находится: Франция, Париж, музей Орсе.

Ван Гог. «Звездная ночь» (1889)

Стиль: постимпрессионизм.

Описание картины: по поводу этой картины Ван Гог писал брату Тео: «Я по-прежнему нуждаюсь в религии. Потому я вышел ночью из дома и начал рисовать звезды». В этой картине Ван Гог продемонстрировал в полной мере свою уникальную технику мазков. Особые приемы в наложении цвета придают картине движение и динамику. Если внимательно понаблюдать за полотном, может создаться ощущение, что изображение движется. Ван Гон добивался этой иллюзии самыми разными способами: он мог выдавливать краску прямо на холст, писать пальцем или обратной стороной кисти. Благодаря большому количеству слоев появляется ощущение, что мазки передают не только цвет, но и структуру звездного неба.

Ван Гог говорил: «Я использую цвет произвольно, чтобы наиболее полно выразить себя». Это невероятно красивое и романтичное произведение написано за год до самоубийства художника (читайте также: Ван Гог и еще 14 знаменитостей-аутистов, которые покорили мир).

Где находится: США, Нью-Йорк, Музей современного искусства.

Поль Гоген. «Женщина, держащая плод» (1893)

Стиль: постимпрессионизм.

«Женщина, держащая плод» написана в таитянском поселении. По одной из версий, позировала юная невенчанная жена Гогена таитянка Техура. Ее смуглое тело написано золотисто-коричневым тоном, а четкая непрерывная линия контура делает ее более плотной и выразительной. Желтый орнамент на красной юбке перекликается с листьями деревьев, символизируя единение женщины с природой.

Поля Гогена, наверное, можно считать первым дауншифтером. Он бросил успешную жизнь во Франции и уехал на Таити, где и женился. Художник провозгласил упрощение формы. Его работы кажутся по-наивному детскими. Гоген отказался от передачи текстуры: его образы сделаны как бы из одного материала, но при этом сохранены все пропорции. При жизни картины Гогена не нашли признания. Слава пришла после смерти, когда в Париже публике были показаны 227 его работ.

Где находится: Россия, Санкт-Петербург, Эрмитаж.

Эдвард Мунк. «Крик» (1893)

Стиль: экспрессионизм.

Описание картины: норвежский живописец сделал несколько вариантов этой странной картины пастелью и маслом. Существуют разные версии появления этого сюжета. Мунк вспоминал, что он увидел необычный закат и решил его изобразить. В пейзаже «Крика» угадывается вид Осло-фьорда с холма Экеберг в Христиании. Некоторые исследователи отмечают, что там поблизости располагалась крупнейшая скотобойня Осло. Неподалеку от нее находилась психиатрическая клиника, в которой лечилась младшая сестра Мунка Лаура. Возможно, рев забиваемых животных смешивался с криками душевнобольных, и Мунк выразил ужас от этих звуков в своем сюжете. Кстати, сам художник назвал свою работу «Крик природы». До конца неясно: фигура на переднем плане то ли кричит, то ли затыкает уши, чтобы не слышать вопля, который яркими волнами расходится вокруг. В начале 2000-х годов появились предположения, что необычный закат был связан с выбросом пепла из вулкана Кракатау.

Странная работа норвежского живописца считается началом экспрессионизма. Картина ценна тем, что художник сумел спровоцировать страх у зрителя не трагичностью сюжета, а с помощью образа. По легенде, два человека сошли с ума. Один раз это случилось, когда полотно уронили, а второй — когда к нему прикоснулись.

Где находится: Норвегия, Осло, Национальная галерея.

Клод Моне. «Руанский собор в солнце» (1894)

Стиль: импрессионизм.

Описание картины: Клод Моне написал около 30 видов Руанского собора, по сути, с одного и того же ракурса. Все эти картины равнозначны с точки зрения художественной ценности. Художник таким образом показывал, как меняются цвета в зависимости от времени суток и погодных условий. У него есть Руанский собор утром, вечером, в пасмурные дни и так далее.

Впоследствии его исследования сильно повлияли на развитие живописи. Небрежные мазки художника на картине появились вовсе не от неумения рисовать. Дело в том, что солнце движется намного быстрее, чем кажется, и, чтобы уловить определенный момент, нужно было работать очень быстро. Кроме того, Моне отказался от контуров как условных обозначений границ и создавал объем с помощью пятен.

Где находится: Франция, Париж, музей Орсе.

Эдгар Дега. «Голубые танцовщицы» (1897)

Эдгар Дега. «Голубые танцовщицы» (1897)

Стиль: импрессионизм, реализм.

Описание картины: полотно считается венцом творчества Дега. Произведение относится к позднему этапу творчества художника. С возрастом у него ослабло зрение, и мастер стал работать большими цветовыми пятнами. Ему удалось создать иллюзию движения. На квадратном полотне художник четко выстроил композицию и вписал в нее балерин в неожиданном ракурсе. Известно, что Дега много наблюдал за балеринами с разных точек в Парижской опере, в том числе из-за кулис, и приглашал в свою мастерскую для позирования. Не исключено, что в качестве натурщицы позировала одна и та же девушка.

Рисунок сделан пастелью: чтобы добиться прозрачности, Дега брызгал на него кипятком. При внимательном рассмотрении можно увидеть следы от стекавших капель воды. Несмотря на то что художник участвовал практически во всех выставках импрессионистов, сам он себя к ним не относил. По его словам, все, что он создает в картинах, это результат не впечатлений, а долгих раздумий.

Где находится: Россия, Москва, ГМИИ имени А.С. Пушкина.

Поль Сезанн. «Купальщицы» (1900)

Стиль: постимпрессионизм.

Описание картины: если импрессионисты смотрели на все через световое и цветовое восприятие, то Сезанн видел мир через восприятие объемов. Художник утверждал, что все можно вписать в простые геометрические предметы — сферы, цилиндры, конусы. Поэтому его «Купальщицы» предстают не в виде красивых девушек, а будто рассмотренные через призмы различных форм.

Картина «Купальщицы» стала отправной точкой для такого направления, как кубизм. Именно поэтому она считается знаковой работой. Вообще Сезанн писал купальщиц в течение всей жизни. При этом художник редко использовал натурщиц для своих композиций, предпочитая брать образы из других произведений искусства. Изначально на картине их было пять. Закрашенную фигуру еще одной женщины можно заметить в правой части полотна. Картина выполнена в характерном для Сезанна стиле мазков в двух направлениях. Изначально публика вообще не воспринимала его как художника. Сезанн пытался уйти от перспективы и представить мир плоским, но очень тщательно работал с цветом. Жанр его произведений относится к постимпрессионизму.

Где находится: Дания, Копенгаген, Новая глиптотека Карлсберга.

Густав Климт. «Поцелуй» (1908)

Стиль: модерн.

В этой необычной картине знаменитый австрийский художник выбрал для женской фигуры пестрые округлые формы, а для мужчины — более жесткие прямоугольные. При этом ореол, окружающий мужчину, имеет сходство с фаллическим символом. Любопытно, что обе фигуры стоят на коленях. Еще одна особенность этой картины в том, что она плоская и больше похожа на причудливый орнамент.

«Поцелуй» считается классикой модерна. Полотно принадлежит к так называемому золотому периоду творчества Климта (читайте также: Тест: музой какого великого художника вы могли бы быть?). В период создания «Поцелуя» знаменитый австрийский художник много работал с золотым цветом и использовал в произведениях настоящее листовое сусальное золото. Изначально картина стала популярна именно благодаря этому драгоценному металлу.

Где находится: Австрия, Вена, галерея Бельведер.

Анри Матисс. «Испанка с бубном» (1909)

Стиль: фовизм.

Описание картины: на «Испанку с бубном» не стоит смотреть как на изображение женской фигуры. Это прежде всего смешение необычных цветов, которое невозможно найти в природе. Художник самостоятельно находит невероятное смелое сочетание красного, зеленого, голубого, черного и желтого, вызывающее позитивные эмоции у зрителя.

За неаккуратные работы Матисса прозвали «диким животным». Он обиделся, однако вошел в историю именно как фовист («дикий»). Секрет картин этого художника заключается в том, что на них не нужно смотреть с точки зрения смысла и аккуратности исполнения. По сути, он стал первым художником, превратившим живопись в экспериментальную площадку. Матисс не боялся смешивать и составлять любые цвета, сейчас этот прием повсеместно распространен в дизайне.

Где находится: Россия, Москва, ГМИИ имени А.С. Пушкина.

Василий Кандинский. «Композиция № 7» (1913)

Стиль: абстракционизм.

Описание картины: великий супрематист до 37 лет серьезно живописью не занимался, хотя в детстве брал уроки рисования. Он работал юристом, пока не увидел картину «Стога сена» Клода Моне. Кандинского удивило, как абсолютно неинтересный объект может поражать воображение, охватывая зрителя сиянием света. Еще одно изменение в сознании художника случилось, когда он услышал музыку Рихарда Вагнера и Александра Скрябина. Под впечатлением от их произведений Кандинский начинает создавать свои «Композиции», заимствуя этот термин именно из музыки.

Новаторство Кандинского заключается в том, что он одним из первых вышел за рамки предметного мира. Ему удалось доказать, что вихрь цветов, линий и точек может влиять на подсознание зрителя не менее сильно, чем образ, передающий реальные предметы. По сути, он первый в истории мирового искусства освободил живопись от влияния предметов. Мы не видим ни деревьев, ни домов, ни людей, а только пластическую форму.

Где находится: Россия, Москва, Государственная Третьяковская галерея.

Казимир Малевич. «Черный квадрат» (1915)

Стиль: супрематизм.

Описание картины: в «Черном квадрате» не стоит искать траурные мотивы, это — символ бесконечных возможностей, изображенный на белом фоне. Черный цвет возник в результате смешения основных цветов. Своим произведением Малевич выразил мысль о том, что искусство не имеет никаких ограничений: ни границ предметного мира, ни цвета, ни восприятия.

Одна из самых загадочных в мире картин была частью триптиха, в который входили также «Черный круг» и «Черный крест». «Черный квадрат» вообще не стоит воспринимать как картину. Это символ, придуманный Малевичем для определения понятия «супрематизм», когда чистая форма превосходит содержание. По замыслу художника геометрические предметы, лишенные смысла, могут быть красивыми сами по себе.

Где находится: Россия, Москва, Государственная Третьяковская галерея.

Сальвадор Дали. «Постоянство памяти» (1931)

Стиль: сюрреализм.

Описание картины: самая известная картина Сальвадора Дали. В ней выражена идея мягкого времени, которое, согласно теории Альберта Эйнштейна, относительно. Любопытно, что сам Сальвадор Дали объяснял происхождение сюжета «Постоянства памяти» размышлением о природе сыра камамбер. Его супруга Гала увидел картину, вернувшись из похода в кино. Она предсказала, что этот шедевр не забудет никто, увидев хотя бы один раз.

Сюрреализм — это искусство изображения снов. Течение стало реакцией искусства на весь абсурд происходящего в мире. Все привычное меняет свою структуру: жидкости становятся твердыми, а плотные предметы, напротив, начинают растекаться. При этом живое проникает во все стороны жизни.

Где находится: США, Нью-Йорк, Музей современного искусства.

Пабло Пикассо. «Герника» (1937)

Стиль: сюрреализм.

Описание картины: была написана по заказу правительства Испанской Республики в память о бомбардировке города Герника. Это полотно высотой 3,5 метра и длиной почти 8 метров выполнено в черно-белой гамме. Пикассо создал его очень быстро — за месяц. На картине изображены страдающие люди, животные и здания, которые трансформировались под воздействием хаоса и насилия. «Герника» идеально иллюстрирует весь трагизм событий XX века.

Пабло Пикассо для XX века был Альбертом Эйнштейном в мире искусства. Его произведения можно не любить, но их обязательно надо знать. Художник сменил множество направлений и никогда не замыкался на одном стиле, а все время старался расширить рамки своего творчества.

Где находится: Испания, Мадрид, Музей королевы Софии.

Как красиво украсить стену в спальне?

Украшение стены в спальне — это отличный способ придать комнате индивидуальность и создать приятную атмосферу. Вот несколько идей, которые могут помочь вам красиво украсить стену в спальне:

Фотографии и картины: Вы можете использовать фотографии или картины, чтобы добавить в комнату персональный тон. Выберите картины, которые вам нравятся, и разместите их на стене, создавая композицию. Также можно использовать фоторамки разного размера и формы, чтобы создать коллаж на стене.
Текстильные элементы: Подушки, одеяла, покрывала и занавески могут создать ощущение комфорта и уюта в спальне. Выберите ткани, которые сочетаются с остальной отделкой комнаты, и разместите их на стене в качестве декоративных элементов.
Декоративные полки: Декоративные полки могут использоваться для создания интересных композиций на стене. Вы можете разместить на полках свои любимые книги, фоторамки, растения или другие декоративные предметы.
Растения: Растения могут добавить в комнату живой и свежий воздух. Разместите на стене небольшие горшки с растениями или используйте вертикальный сад, чтобы создать эффектный акцент.
Надписи и цитаты: Использование надписей и цитат на стене может придать комнате дополнительный смысл. Вы можете выбрать цитаты, которые вам особенно нравятся, и напечатать их на наклейках или декоративных табличках, чтобы разместить на стене.
Обои: Обои могут быть отличным выбором для создания интересного дизайна стены. Выберите обои с необычным узором или текстурой, чтобы добавить в комнату дополнительный интерес.

Выберите идеи, которые соответствуют вашему стилю и предпочтениям, и создайте уютную и красивую атмосферу в вашей спальне.

Видео. ЭТО ДОЛЖЕН ЗНАТЬ КАЖДЫЙ ОБРАЗОВАННЫЙ ЧЕЛОВЕК ИНТЕРЕСНЫЕ ФАКТЫ

Добавить комментарий Отменить ответ

Для отправки комментария вам необходимо авторизоваться.